Recherche dans le site

 

 

Les films
classés RÉALISATEURS


Les films
classés par TITRES


Classement selon
la période d'analyse


Les films analysés ou diffusés en 2016


Les films analysés ou diffusés en 2017


Les films analysés ou diffusés en 2018


Les films analysés ou diffusés duarnar les 3 premiers trimestres de 2019







 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Visionnaire de l'invisible
Le Cinéma

 

         

Véritable bijou d'humour, d'intelligence et de loufoquerie morbide

TROIS VIES ET UNE SEULE MORT
Film français de Raoul RUIZ - 1996

Trois vies : Affiche

Tantôt riche personnage qui aide un jeune couple, professeur en Sorbonne qui devient clochard ou maître d'hôtel, Marcello Mastroianni campe un personnage affecté par le syndrome de la multiplication de la personnalité. Pris dans le tourbillon de ce conte fantastique, Mastroianni vit trois vies et assume trois destins qui ne cesseront de s'entrecouper tout au long du film. Alfama Films rend hommage, durant ce mois d’août parisien, à ses nombreuses collaborations avec le cinéaste franco-chilien Raoul Ruiz : Trois vies et une seule mort (1996), Généalogies d’un crime (1997), Le temps retrouvé (1999), tous les trois en version restaurée, et Mystères de Lisbonne (2010).
S'inspirant d'histoires vraies que Pierre Bellemare (qui est le narrateur du film) a raconté, Raoul Ruiz fait un mélange entre trois d'entre elles, insuffle une grosse dose d'absurdité à l'ensemble et fait interpréter un triple rôle (qui n'en est en fait qu'un seul) à Marcello Mastroianni. Cet exercice de style est peu habituel, réserve quelques courts instants captivants par leur côté insolite et Mastroianni est l'acteur idéal pour porter sur ses épaules l'étrangeté de l'histoire, ou plutôt des histoires entremêlées.
Amateur d'histoires extraordinaires, Raoul Ruiz imagine ici quatre récits qui s'imbriquent de manière troublante ! Toutes ces aventures sont en fait vécues par le personnage principal, victime de troubles de la personnalité ! C'est l'occasion pour Marcello Mastroianni, dans son avant dernier film, de donner la mesure de l'étendue de son talent ! Entre réalisme et fantastique, le cinéaste, d'origine chilienne, s'amuse à brouiller les repères et confie même à Pierre Bellemare le rôle du conteur ! Il faut accepter de s'égarer lorsqu'on s'embarque avec Ruiz et de se promener à la manière des romantiques, comme dans un paysage étrange et saugrenu où l'on se perd avec délice ou irritation ! A vous de voir...
Il y a un gros travail de réalisation et de montage ; malheureusement le système de personnalités multiples associé au rythme lent, alourdit un peu le film malgré de très bons passages et un excellent Mastroianni. Si on n'aime ni la psychanalyse, ni les fantômes sud-américains, ni le surréalisme, on aura du mal à suivre les détours de ces trois vies. Par contre, si on apprécie tout cela, on passera un moment merveilleux devant ce véritable bijou d'humour, d'intelligence et devant cette loufoquerie morbide propre à certaines cultures comme celle des Mexicains. Pourtant, le sujet est grave (la schizophrénie) mais il est traité avec une telle intelligence, un tel recul qui vous conduit à interpréter les scènes au second ou au troisième degré, de sorte que tout passe merveilleusement bien. Décidément Raul Ruiz va beaucoup manquer au cinéma car personne ne lui ressemble de près ou de loin.
Raoul Ruiz fait partie d'une génération de réalisateurs chiliens politiquement engagés, comme Miguel Littín (réalisateur, scénariste, acteur et producteur pour le cinéma et la télévision, et écrivain chilien d'origine palestinienne. Cinéaste engagé, bien que non partisan, son œuvre est un témoignage sur les troubles de la politique chilienne du XXe siècle, et sur la souffrance de ses contemporains latino-américains) ; comme Helvio Soto (  Avec Miguel Littin, Patricio Guzmán et Raoul Ruiz, il fait partie de ‘’l'école du Chili’’ fortement influencée par le cinéma brésilien que Soto découvre grâce à la lecture des Cahiers du cinéma dans les années 1960. À partir de février 1971, il a été responsable des programmes du canal 7 de la télévision d'État), ou comme Patricio Guzmán (né le 11 août 1941 à Santiago du Chili, il est un cinéaste chilien, surtout connu pour ses nombreux documentaires sur l'histoire du Chili).
À la suite du coup d'État du 11 septembre 1973 au Chili, Raoul Ruiz s'exile en France, dont il finit par prendre la nationalité. En 1977, il réalise La Vocation suspendue qui marque le début d'une collaboration fructueuse avec l'Institut national de l'audiovisuel, en particulier à l'intérieur de son département de la recherche dirigé par Pierre Schaeffer. Une sorte de troupe permanente se constitue autour du cinéaste qui devient l'une des figures centrales du département, à l'intérieur duquel il réalisera près de 25 films – parmi lesquels L'Hypothèse du tableau volé (1978) et Les Trois Couronnes du matelot (1983). Désigné par Ruiz comme son "premier espace de liberté, l'Ina lui permet de développer son intérêt pour l'expérimentation visuelle, notamment aux côtés de chefs opérateurs comme Henri Alekan et Sacha Vierny.
Suite à l'affaiblissement que connaît le service de la recherche de l'Ina dans les années 80, Ruiz conserve des conditions de tournage proches en produisant ses films à l'intérieur de structures officielles. Il est un temps artiste associé à la maison de la culture de Grenoble (Régime sans pain, Richard III), puis sera nommé à la tête de la Maison de la culture du Havre par Jack Lang en 1986 (Mémoire des apparences, La Chouette aveugle).
Il est l'auteur d'une œuvre multiple et foisonnante, qualifiée souvent de baroque, produite dans des conditions très diverses dans différents pays, explorant des formats et des durées variées, recourant souvent au multilinguisme, croisant et hybridant les cultures. À mi-chemin du cinéma d'auteur et d'une veine plus expérimentale, privilégiant toujours la narration et la recherche visuelle, Raoul Ruiz est aussi l'auteur d'une œuvre théorique singulière réunie dans les deux volumes de sa Poétique du cinéma. Il était marié à la réalisatrice et monteuse Valeria Sarmiento. Il décèdera en 2011. En mars 2016, la Cinémathèque française lui a consacré une belle rétrospective.


  

 

Quand l’industrie du cinéma vit une crise de croissance

ONCE UPON A TIME IN HOLLYWOOD
Film anglo-américain de Quentin TARANTINO – 2019

ONCE UPON A TIME IN HOLLYWOOD : Affiche

Cette comédie dramatique se passe en 1969. L’acteur Rick Dalton et son ami et doublure, le cascadeur Cliff Booth, sont totalement perdus dans une industrie du cinéma en pleine mutation. Ils ne comprennent plus cette Cité des Anges qui voit l’émergence du mouvement hippie et l’arrivée cauchemardesque du gourou Charles Manson. Tout en croisant Steve McQueen et Bruce Lee, Dalton et Booth se noient dans la bière et les verres de whisky, et peinent à trouver des contrats. Non loin de la propriété de Rick Dalton, la jeune actrice Sharon Tate, femme du réalisateur Roman Polanski, vient de partager l’affiche avec Dean Martin dans une comédie intitulée Matt Helm règle ses comptes. Ajouté tardivement à la dernière compétition cannoise, ce 9e long-métrage de Quentin Tarantino a fait l’objet d’un nouveau montage après sa présentation sur la Croisette et avant son exploitation en salles. Le cinéaste a puisé dans ses souvenirs de jeunesse et dans la mythologie hollywoodienne pour créer son histoire. Damon Herriman, interprète de Charles Manson, incarne également le criminel dans la seconde saison de Mindhunter, série diffusée en août sur Netflix. Once Upon a Time... in Hollywood : le film à moitié plein ou à moitié vide de Tarantino. Son 9e film de Quentin Tarantino sort au milieu d’un été assez pauvre en exclusivités et crée l’événement.
Leonardo DiCaprio et Brad Pitt dans Once Upon a Time... In Hollywood de Quentin Tarantino (ANDREW COOPER / Sony)
En compétition au dernier Festival de Cannes, Once Upon a Time... in Hollywood de Quentin Tarantino est reparti bredouille du palmarès et a divisé la critique. Son neuvième long métrage sort mercredi 14 août 2019 et constitue l’événement cinématographique des sorties de cet été plutôt pauvre en la matière.
Hollywood, Hollywood ! Los Angeles, 1969. Rick Dalton (Leonardo DiCaprio), star d’une série télévisée de western, retrouve sa doublure, le cascadeur Cliff Booth (Brad Pitt), pour relancer leur carrière au cinéma. Leur accueil est mitigé, la télévision s'octroyant de plus en plus de place à Hollywood. Ils prennent toutefois leurs quartiers à Beverly Hills avec pour voisins le réalisateur Roman Polanski et son épouse Sharon Tate. Rick et Cliff se voient contraints de partir pour l’Europe où le western spaghetti est fleurissant, et où ils enchaînent plusieurs films. Revenus à Hollywood, ils vont être mêlés à l’affaire Charles Manson, commanditaire d’assassinats de stars hollywoodiennes, parmi lesquelles l’épouse de Polanski.
Un thème et un casting prometteurs Un tel canevas, avec entre autres Leonardo DiCaprio, Brad Pitt, Al Pacino, Kurt Russell et Michael Madsen ou Tim Roth (apparitions fugaces), était prometteur. D’autant que l’on attendait de ce fou de cinéma qu’est Quentin Tarantino une vision pertinente et acerbe sur Hollywood auquel renvoie son titre, emprunté à la trilogie de Sergio Leone (Il était une fois dans l’Ouest, Il était une fois la révolution et Il était une fois en Amérique). Au final, Once Upon a Time... in Hollywood ressemble à un verre à moitié vide ou à moitié plein.
Fin de partie Si Once Upon a Time... in Hollywood évoque bien la fin d’une époque, celle d’une industrie du cinéma en perte de vitesse et de glamour, son analyse de cette prise de pouvoir de la télévision sur le 7e art est paresseuse. C’est un air connu depuis les années 50 aux Etats-Unis. Alors qu’émergeait au milieu des années 1960 un cinéma indépendant et le "nouvel Hollywood" (dont il n’est pas dit un mot dans le film), Tarantino préfère s’attarder sur le western spaghetti. On le sait très amateur de cette catégorie "décadente" du genre, moribonde au seuil des années 1970.
La fin d'une ère La référence à l’affaire Manson, qui occupe la seconde partie du film, stigmatise également la fin d’une ère, tant cinématographique avec l’assassinat à Beverly Hills de l'actrice Sharon Tate, épouse du réalisateur Roman Polanski (un des crimes les plus violents de l’histoire des Etats-Unis), que sociologique avec la fin de l’utopie hippie que représente la "famille Manson". Insérer l’affaire Manson dans le film sert de ce point de vue son sujet. Tarantino a demandé de ne rien dévoiler du traitement si particulier qu’il en donne… alors que c’est la meilleure partie de son film. Mais il est en effet essentiel de ne rien en révéler pour en garder la surprise. L'actrice américaine Margot Robbie dans le rôle de Sharon Tate dans Once Upon a Time… in Hollywood du réalisateur américain Quentin Tarantino. (ANDREW COOPER / 2018 Sony Pictures Entertainment Deutschland GmbH)
Malaise Demeure toutefois un malaise. Celui de réaliser une "fantaisie" sur une telle tragédie. Emmanuelle Seigner, l’actuelle compagne de Polanski, s’en est plainte d’ailleurs ouvertement. Le drame avait valu à Roman Polanski les pires attaques dans la presse américaine de l’époque. Des doutes avaient même été émis sur la responsabilité du réalisateur dans l’assassinat de son épouse, et de l’enfant qu’elle portait.  
Grand film malade Si le duo Leonardo DiCaprio-Brad Pitt fonctionne bien, Once Upon a Time... in Hollywood souffre toutefois d’une dramaturgie des plus lâches. Étonnant de la part d’un Quentin Tarantino qui s’est le plus souvent montré un grand conteur d’histoire. Clairement divisé en deux parties, son film démarre sous les meilleurs auspices en installant ses deux personnages dans un Hollywood dont ils veulent faire la conquête. Mais au terme de cette introduction prometteuse, Tarantino ajoute des scènes interminables et répétitives, mal articulées les unes aux autres. Brad Pitt et Leonardo DiCaprio dans Once Upon a Time...In Hollywood de Quentin Tarantino. (Sony Pictures Releasing France)
Quelques pépites Surnagent cependant plus d’une pépite. Comme la jubilation de Sharon Tate (Margot Robbie) de se voir appréciée à l’écran par les spectateurs d’une salle de cinéma,  la leçon d’acteur d’une comédienne de 8 ans à la star Rick Dalton, la visite au ranch de la "famille Manson", ou le climax explosif final, d’usage chez Tarantino. DiCaprio est excellent dans la peau d’un acteur médiocre qui prend conscience de son manque de talent et finit par rebondir. Son amitié avec Brad Pitt, à la fois cool et pétri de violence, est teintée d’ambiguïté opportuniste. En accumulant griefs et fulgurances éparses, Quentin Tarantino semble avoir voulu réaliser un grand film malade pour stigmatiser le malaise hollywoodien de l’époque.
Once Upon a Time... in Hollywood risque de diviser les fans de Tarantino. Et pourtant, il s'agit probablement de son film le plus sincère et le plus touchant depuis Jackie Brown. Une ode au cinéma en tant qu'échappatoire tout autant qu'un rappel à la dure réalité. Bouleversant, magnifique chef-d’œuvre : à travers le portrait de ces deux losers magnifiques et de leur amitié indéfectible, Tarantino rend un hommage drôle et tendre aux sans-grade de l'industrie du cinéma qui oublient leurs répliques, noyés dans l'alcool, aux troisièmes couteaux abonnés aux rôles du mec transparent et invisible. Tout au long de Once Upon a Time…, Quentin Tarantino décrit Hollywood comme un monde d’opportunités ratées et de fantasmes, avec un regard tour à tour mélancolique, admiratif et moqueur. Quentin Tarantino, plus désenchanté que d’habitude, rassemble un casting de folie pour évoquer cette  période-charnière de Los Angeles et de l’Amérique. D’une nostalgie touchante. D’une érudition totale. Et d’une audace folle ! Alors, quand les grilles de la villa s’ouvrent au petit matin, il ne faut y voir nul révisionnisme, nulle consolation, juste l’évocation douloureuse de ce qui n’est pas, de ce qui n’est plus, de ce qui n’a pas été. Comme une élégie, un songe de nuit d’été, laissant une traînée de regrets tristes à l’instant du réveil. Non, vraiment, ce n’est pas un Tarantino comme les autres. Et non, on n’est pas là pour rigoler.


 

Polar d'une dérive psychanalytique

GENEALOGIE D’UN CRIME
Film français de Raoul RUIZ - 1997

 

GENEALOGIE D’UN CRIME : Affiche

A Vienne, quelque temps avant la guerre, Hermine Helmut von Hug, psychanalyste pour enfants, est persuadée que son neveu âgé de cinq ans a des tendances homicides. Elle décide donc d'étudier l'évolution inexorable des penchants criminels de son neveu. Celui-ci commet finalement le crime tant attendu: il tue sa tante. Ce film est inspiré de l'affaire Hermine Von Hug-Hellmuth, qui fut l'une des premières femmes autrichiennes à obtenir un doctorat de philosophie, mention physique. À partir de 1919 elle travaille au département de pédagogie thérapeutique de la clinique pédiatrique de Vienne. En 1921 elle intervient à l'Institut psychanalytique de Berlin. Chargée de conférences à l’ambulatorium de Vienne, en 1923 elle y dirige l’Erziehungsberatungsstelle. Hermine von Hug-Hellmuth meurt en 1924 étranglée par son neveu Rolf, âgé de 18 ans, qu'elle avait élevé puis placé en maison de redressement et qu'elle analysait. Inspiré d'un fait divers, ce polar lent reconstitue l'histoire d'une dérive psychanalytique ! Manipulatrice, Catherine Deneuve entraine Melvil Poupaud dans un jeu pervers qui l'amène inéluctablement au crime ! Dans Généalogies d'un crime, tout se tisse, tout se noue, tout s'enchaîne avec insolence et un certain brio! Michel Piccoli, truculent chef de "secte" psychanalytique, et Bernadette Lafont,  gravitent autour de ce couple fatal, unis par des liens ambigus ! Cette descente aux enfers dans le labyrinthe des pulsions est signée Raoul Ruiz, cinéaste chilien à l'humour assassin. C’est haletant !...
          ‘’Que faire du cinéma au bout d’un siècle ? Comment inventer de nouvelles histoires alors que le stock est depuis longtemps épuisé ?’’ A ces questions qui se posent à tout art moderne, et que présentait la revue Inrockuptibles, le cinéaste Raoul Ruiz apporte, avec Généalogies d’un crime, ses réponses de conteur baroque et compulsif : il ne trie pas, il garde tous les signes, principes et figures de l’ancien cinéma pour créer son monde à lui, ­très drôle.
L'histoire, on la connaît. Ça fait longtemps qu'elle est écrite, longtemps qu'elle a été vécue par une psychanalyste pour enfants, viennoise du nom de Hermine Helmut von Hug. Cette femme avait cru déceler, chez son neveu ­ âgé de 5 ans, ­ des tendances homicides. Elle le prit chez elle et attendit paisiblement qu'il tue. Il finit par le faire. Le neveu était un bon acteur, à la fois malléable et inventif. Il n'a pas voulu décevoir son metteur en scène. Il a fait ce qu'on attendait de lui. Ainsi, la preuve était faite qu'à 5 ans, tout est déjà joué. La mort de la tante démontrait le bien-fondé de ses théories.
En s'emparant de cette nouvelle histoire, Raoul Ruiz fait mine d'embrasser un sujet encore plus vieux qu'elle : le déterminisme contre le libre arbitre, un combat éternel. Quand on lui posait la question de savoir lequel des deux gouvernait les passions humaines, Fritz Lang répondait «fifty-fifty". Il était un Allemand rationnel. Raoul Ruiz, lui, est un Chilien baroque qui  se moque bien de savoir la part de l'un et de l'autre. Il ne croit pas plus à l'éducation qu'à la vie dans la forêt. Il ne croit qu'au pouvoir des histoires, celles que l'on vous raconte, qui vous fascinent et que vous finissez par incarner, parfois à votre corps défendant. Raoul Ruiz est un expert, il sait que le stock d’histoires disponibles est limité ­ et épuisé depuis belle lurette. Mais comme c'est un grand raconteur d'histoires et un grand cinéaste, ce qui ne revient pas toujours au même, il s'en réjouit au lieu de s'en plaindre. Car si le film criminel à tendance psychanalytique ­n'est pas nouveau, et reste un formidable point de départ, un solide fil conducteur propice à toutes les échappées belles. C'est la plus grosse des poupées russes, celle qui peut contenir toutes les autres, même les plus tordues. S'il n'y a aucun intérêt à refaire La Maison du Dr Edwards, Le Secret derrière la porte, Vertigo ou Psychose, ce sont des jeux qui valent encore la peine que l'on s'y amuse puisqu'on n'en connaît pas de meilleurs. Il suffit que le meneur de jeu ait du talent et que les participants soient à la hauteur, prêts à donner le meilleur d'eux-mêmes et, point capital, à ne pas bouder leur plaisir. Ce sont des jeux de société, mais de sociétés secrètes, de sociétés de psychanalyse donc. Au début du film, Ruiz vient d'ouvrir la boîte, il a disposé les pions et les jetons : Deneuve est à sa gauche, Poupaud à sa droite, Modiano on ne sait où, Piccoli et Severyn pas encore arrivés. Les dés vont être lancés, on n'est sûrs que d'une seule chose : on va bien s'amuser.
Et effectivement, on s'amuse, comme des petits fous. Car si Ruiz nous fait évoluer dans un monde déjà écrit, c'est pour mieux le faire sien : un drôle de monde, un monde très drôle. Un monde où deux sociétés de psychanalyse se livrent une guerre féroce, où les garçons de café sont prêts à se battre en duel pour des vers de Mallarmé, où le président de la SPIF (Société de psychanalyse de l'Île-de-France) fait étalage de ses références littéraires et où celui de la SPFB (Société de psychanalyse franco-belge) fauche les petites cuillères, juste comme ça, machinalement. C'est un univers saturé de sens, de signes et d'objets. Un invraisemblable bric-à-brac s'y est accumulé, fait de miroirs sans tain, de tableaux vivants et d'ombres chinoises. Autant de strates d'une malédiction commune, autant de décors surchargés pour des personnages mus par des "histoires agissantes" dont ils sont les captifs amoureux. Fondé sur la répétition ad libitum d'un même thème, le projet de Ruiz consiste en une mise en scène de la variation proliférante. Il ne s'agit plus de savoir qui a fait le coup, mais de découvrir qui va le reprendre pour son propre compte et sur quel mode opératoire. Sous l'emprise de l'histoire de la tante psy (Deneuve) et de son tueur de neveu (Poupaud), Solange (Deneuve, encore) n'aura de cesse de démontrer la manipulation dont il a été victime. Elle est habitée par une intrigue, vampirisée par une morte qui se sert d'elle afin d'assouvir sa vengeance. Solange est celle qui prend le relais, celle qui accepte d'entrer dans la ronde narrative pour que l'histoire reste immortelle, c'est-à-dire qu'elle puisse encore et toujours être racontée à quelqu'un. Elle est le personnage ‘’ruizien’’ par excellence.
Car Ruiz n'a jamais fait que ça, suivre des personnages chargés de fiction, porteurs d'une croyance devenue désuète, en quête désespérée d'un auditoire, contre vents et marées. C'est ainsi que Pierre Bellemare (dans Trois vies et une seule mort) prêtait tout naturellement sa faconde à une nouvelle histoire extraordinaire. Ici, Ruiz se saisit d'acteurs aussi lourds (au sens de chargés ­ de leurs multiples rôles, d'histoires mais aussi d'Histoire) que Catherine Deneuve et Michel Piccoli pour leur proposer de s'amuser avec lui. Et ils sont formidables d'inventivité, libres comme des poissons dans l'eau, tout au plaisir enfantin du jeu. C'est grâce à eux, juste en les regardant, qu'on comprend mieux où Ruiz veut en venir, au-delà de la pure séduction formelle que dégage son film. Car s'il est un cinéaste virtuose qui s'invente toujours de nouveaux défis de mise en scène et s'il risque constamment d'encourir le reproche de gratuité, Ruiz ne cesse d'affirmer la profondeur de sa pensée. Bien loin de se contenter de faire du faux neuf avec du vrai vieux, ou de passer un coup de plumeau sur ses fameuses "histoires immortelles", Ruiz revient à son sujet de départ (déterminisme/liberté) et le traite in fine, mais à sa manière.
A quoi ressemblera un film d'aujourd'hui fait d'éléments composites et anciens ? Si on utilise des ruines fictionnelles (le polar psy, le mélodrame, l'intrigue criminelle, voire le grand-guignol bien sanguinolent) pour bâtir un nouveau temple, quelle forme doit-on lui donner ? Comment ne pas renoncer au plaisir de raconter des histoires puisque le spectateur les connaît toutes ? Que faire avec Deneuve et Piccoli qu'ils n'ont pas déjà fait ? Et, tout bêtement, quelle est la part de liberté du cinéaste après un siècle de cinéma ? Pour répondre à ses questions ­ qui sont, mine de rien, celles de tout art moderne ­, Ruiz choisit d'accumuler plutôt que de trier. C'est en cela qu'il est un véritable baroque. Il accuse l'essence répétitive du cinéma au lieu de l'évacuer d'un revers de la main. Il en fait un tremplin vers une nouvelle croyance. Alors, la prédominance d'effets illusionnistes cesse d'être un jeu stérile pour se transformer en un instrument d'investigation du réel. Un exemple ? On n'a jamais aussi justement décrit tout le ridicule des controverses du microcosme intellectuel parisien que dans Généalogies d'un crime. Pour ne parler que de ce qu'on connaît trop bien, il suffit de transposer ces sombres querelles de psychanalystes à l'échelle, encore plus réduite, de la critique de cinéma pour s'en convaincre. Ou, plus sérieusement, il faut observer ce que Ruiz fait de Deneuve : une parfaite synthèse entre tous ses rôles iconiques de blonde hitchcockienne et ceux de la femme hyperactive ­ figure à la fois érotique et maternelle, toujours capable de séduire les jeunes gens ­que lui inflige un ‘’mauvais’’ cinéma français. Résultat, elle qui a été si souvent regardée, on l'a rarement vue comme ça. Comme on a rarement vu un film accepter autant de contraintes, de traditions lourdes et de matériaux pas commodes à manier, pour accoucher dans la joie et la bonne humeur d'une forme neuve, libre et vivante ­ une pleine forme, vraiment. Aussi soucieux de sa généalogie que de sa descendance, Raoul Ruiz est un criminel de génie. Il a encore rempli son contrat.


 

Un regard d’une grande tendresse sur certaines  communautés

GIVE ME LIBERTY
Film américain de Kirill MIKHANOVSKY – 2019

GIVE ME LIBERTY : Affiche

Vic, un jeune américain d’origine russe vivant à Milwaukee, intelligent mais peu sûr de lui, devient ambulancier en attendant mieux. Il trimballe tous ses proches et n’importe qui, partout où ils doivent aller, avec une affection et une générosité absolue. Par exemple, il emmène les membres de sa famille, dont son grand-père sénile et sa communauté déjantée, à un enterrement, avec un diabétique en surpoids, des handicapés mentaux qui se rendent à leur école, et sa patiente préférée, Tracy, une jeune fille noire atteinte de la maladie de Lou Gehring, pour laquelle il éprouve des sentiments… Second long-métrage de Kirill Mikhanovsky, Give Me Liberty était présenté à la Quinzaine des Réalisateurs en mai 2019. Le film est le premier d’une série de projets développés aux côtés de la scénariste et productrice Alice Austen. Auparavant, le réalisateur russe était un fidèle collaborateur de Fellipe Barbosa. Il a notamment été scénariste pour Gabriel et la montagne, primé à la Semaine de la Critique en 2017. Vic conduit un minibus pour personnes handicapées à Milwaukee. Alors que des manifestations éclatent dans la ville, il est déjà très en retard et sur le point d’être licencié par son patron, très impatient. A contrecœur, il accepte pourtant de conduire son grand-père sénile et ses vieux amis russes aux  funérailles d’une vieille amie. En chemin, Vic s’arrête dans un quartier afro-américain pour récupérer Tracy, une femme atteinte de la maladie de Lou Gehring. C’est alors que la journée de Vic devient joyeusement incontrôlable…
Milwaukee n’est pas une ville que le cinéma américain a l’habitude de nous faire visiter. C’est pourtant une commune qui a une identité forte. Bien plus forte que celle de Vic, qui apparaît comme un jeune homme innocent et très altruiste, bref une page blanche sur laquelle il reste encore à écrire le récit qui fera de lui un homme responsable. En somme, le vrai personnage principal de ce film d’apprentissage est bien cette ville bouillonnante d’activité, et, par extension, ses habitants. Tout le travail de Kirill Mikhanovsky repose en fait sur sa volonté de s’inspirer de sa propre expérience, pour nous faire profiter de son regard sur cette ville où il s’est lui-même construit en tant qu’ambulancier, après son arrivée de Russie. Give Me Liberty trouve ainsi sa force dans son caractère semi-autobiographique, ou du moins dans la part de réalisme que l’on devine à travers la manière dont sont dessinés tous les personnages secondaires. Le sens du cadrage et du montage avec lequel il filme ces nombreux personnages qui gravitent autour de Vic, fait naître une effervescence qu’il lui fallait agrémenter par un bon travail d’écriture comique, s’il ne voulait pas que l’ensemble sombre dans un chaos horrifique. Or, grâce aux portraits contrastés qu’il construit, et à l’interprétation dynamique, mais jamais outrancière, des acteurs pour la plupart non professionnels, ces habitants de Milwaukee se révèlent tous des figures bien plus profondes qu’il n’y paraît au premier abord. En prenant soin de ne pas sombrer dans la caricature facile – ce qui est souvent le cas, dès lors qu’on imagine la rencontre entre plusieurs communautés, comme ici, avec des Russes, des Afro-américains et des personnes avec un handicap –, et de ne pas s’engager dans le schéma trop linéaire du road trip urbain, Mikhanovsky parvient à organiser une multitude de rencontres qui vont  transformer progressivement le personnage de Vic. Chacune d’entre elles est l’occasion pour le cinéaste de bâtir des scènes parfois assimilables à de courts sketchs, dont les plus drôles naissent des situations les plus inattendues.
          Parce qu’ils sont tous à la fois exaspérants et touchants, les personnages secondaires de Give me Liberty testent continuellement notre propre patience à leur égard. L’extrême bienveillance, qui caractérise Vic, finit même par atteindre ses limites, là où beaucoup auraient craqué avant lui. L’exemple le plus marquant est celui de Tracy. Derrière cette jeune femme en chaise roulante, qui apparaît dans un premier temps comme une cliente difficile, poussant des coups de gueule frôlant l’hystérie, se cache en fait le plus attachant de tous ces personnages hauts en couleurs, qui alimentent l’ébullition perpétuelle de cette journée.
Plus intéressant encore est le personnage de Dima, car bien que sa gouaillerie permette un humour de répétition volontairement lourdaud et harassant, et bien qu’il constitue l’exact opposé de Vic qui essaie de se faire discret, il est aux antipodes de l’habituel cliché du fidèle compagnon rigolo. C’est même le trouble qui entoure son honnêteté qui finira par faire sortir Vic de ses gonds, puisqu’on ne saura jamais s’il est, lui aussi, un ami généreux ou un impitoyable escroc. De tels personnages, difficiles à cerner, invitent à une recherche continuelle, ce qui est devenu trop rare dans le cinéma actuel. Même si le rythme finit par s’essouffler dans la dernière demi-heure, Mikhanovsky clôture son premier long métrage par une performance de mise en scène impressionnante. Il a recours au noir et blanc pour privilégier une scène d’émeute et, en rendant ainsi l’image très mobile et presque illisible, il permet au chaos de cette scène de littéralement couper le souffle du public. On se satisfait d’autant plus de voir ensuite Vic achever sa longue journée, dans un bel élan, proposant une fin ouverte qui échappe au piège du happy end trop facile.
Certains iront reprocheront au jeune cinéaste de n’avoir fait qu’effleurer les aspects les plus sociaux de la peinture qu’il propose de sa terre d’accueil. On pourra notamment regretter que les employeurs de Vic soient trop rapidement aperçus, sans que les questions morales propres à un système proche du « Uber-ambulance » soient clairement posées. Mais les intentions de Kirill Mikhanovsky n’étaient pas là. Son cri d’amour pour sa ville d’accueil, dont les habitants forment un symbole bien peu glorieux du rêve américain, est une réussite. Elle  n’est pas sans rappeler la façon dont les figures émergentes du nouvel Hollywood avaient fait autrefois de New York la ville la plus ‘’cinégénique’’ du pays. Un début de carrière pour le moins prometteur, et à suivre de près.
Entre petits contretemps et grosses galères, cette journée qui tourne à l’ébullition va aussi laisser échapper un torrent d’humanité et d’amour. C’est drôle, baroque et d’une folle énergie. Surtout, le réalisateur, parfois à deux doigts de nous perdre au cours de sa trépidante tournée, porte un regard d’une grande tendresse sur des communautés auxquelles la société ne prête pas suffisamment attention.


  

Aux Philippines, les jours noirs ne finissent jamais

HALTE (ANG HUPA)
Film Philippin de Lav DIAZ – 2019

Halte : Affiche

En 2034, aux Philippines, cela fait trois ans que l’Asie du Sud-Est est plongée dans une nuit noire éternelle, littéralement. Le soleil ne se lève plus, suite à des éruptions volcaniques massives dans la mer de Célèbes, et la pluie tombe continuellement. Des fous dirigent les pays, les communautés, les enclaves et les villes. Des épidémies cataclysmiques ont ravagé le continent. Ils sont des millions à être morts, des millions à être partis. Les survivants qui n’ont pas réussi à fuir le pays vivent sous la férule d’un dictateur fou qui réprime avec violence la moindre résistance. Chacun tente de survivre dans un monde enténébré, en proie à la maladie et à la misère. La force de vivre n’anéantit pas pour autant tout espoir…
Après une sélection à Berlin avec La saison du Diable (2018), Lav Diaz était présent à la Quinzaine des Réalisateurs de Cannes, en mai 2019, pour présenter Halte (Hang Hupa), conçu comme un film fleuve de 4h 49. Le cinéaste philippin interroge à nouveau la société de son pays natal, cette fois de manière plus radicale : ‘’J’étais en train de travailler sur un film de gangsters. J’ai ressenti un besoin urgent de faire un autre film au contenu plus directement politique’’, centré sur la réalité du pays.
Dans Halte, Lav Diaz prolonge son approche de la loi martiale instaurée par le président Marcos aux Philippines en 1979 traitée dans La Saison du diable, en la développant dans un environnement futuriste. La nuit qui enveloppe le film est par métaphore celle des heures sombres que traverse le pays. La résistance de rebelles dispersés se retrouve également dans les deux films. Des acteurs fidèles (Piaolo Pascual, Hazel Orencio) jouent au côté de l’extraordinaire Joël Lamangan qui campe un président Navarra remarquable dans sa paranoïa dictatoriale. Lav Diaz diffracte les ténèbres d’une dictature, dans un monochrome de noir et d’argent. La nuit de la terreur n’en finit pas, et nous voilà saisis d’effroi et de fascination pour le chef-d’œuvre de cinéma grotesque qui la raconte.
C’est un monde-nuit. Dans Halte, les jours noirs ont commencé, pour ne finir jamais. Suite à des éruptions massives, le soleil ne se lève plus sur la société future du nouveau film de Lav Diaz, qui structure le vide d’une apocalypse. Nous sommes dans son pays, les Philippines, en 2034, autant dire que c’est déjà demain, une histoire proche. Une épidémie de grippe, surnommée ‘’Dark Killer, la Tueuse noire’’, a décimé les populations.
          Le ‘’Tueur noir’’, ce pourrait être aussi le nom du dictateur au pouvoir du film, sorte d’avatar satirique et homosexuel de Ferdinand Marcos, l’ancien tyran du pays, mais tout aussi bien, un dictateur paranoïaque comme un autre idéal-type universel de monstre psychotique. On reconnaîtra en lui n’importe quel maître fou de n’importe quelle dictature, qu’il soit des Philippines ou d’ailleurs, du présent ou du passé politique. C’est le même régime que décrivait le précédent film de Lav Diaz, La Saison du diable, avec son despote incohérent, même visage universel  du mal. Comme il y avait une femme-soldat sans pitié dans La Saison du diable, ce caractère féminin se retrouve, récurrent, dans Halte, mais il est dédoublé : deux officiers des forces spéciales, des amantes lesbiennes Marissa et Martha, assurent la protection du dictateur Nirvano Navarra.
Le monde-nuit de Halte est sublime. Les ténèbres, dans l’esthétique sophistiquée de Lav Diaz, dérangent l’œil, par leur paradoxale et presque encombrante beauté. Un noir et blanc éblouissant, tantôt argenté, tantôt laiteux, accorde le régime totalitaire, oppressif et menaçant, avec un très beau fond formel, une vision totalement à rebours de l’imagerie du cinéma de divertissement générique, où l’apocalypse n’est que ruine, poussière et laideur, bref, un monde effondré.
          Pourtant, les belles nuits éternelles de Halte, contrastées, sont de pure tragédie. Leur beauté n’est qu’une illusion d’optique et de cinéma. Car elles sont habitées par une population léthargique, menacée à tout moment d’être exécutée par les Forces Spéciales : les hommes oppressés sont des fantômes. Ils forment une société en apparent sommeil, mais parce qu’en réalité terrorisée, placée sous la surveillance sans répit de drones. Le film, d’un bout à l’autre nocturne, montre à la fois l’écrasement de la population et sa vitalité dans les petits gestes d’entraide quotidienne. Plusieurs intrigues liées aux personnages construisent ce qui pourrait s’apparenter à un film choral. Mais Halte est éloigné de cette forme et reste plus identifié à la comédie dramatique. Ici le drame domine, la faim, la maladie, la soumission, l’oppression sont à chaque coin de rue. Des drones de surveillance vérifient les identités sous une pluie quasi-constante, et les forces de l’ordre tirent à vue, sans sommation. Le film décrypte le basculement d’un pays dans la dictature, sous le pouvoir d’un homme qui déraille. Il pointe aussi le ralliement d’opportunistes, mais également l’apathie d’une population qui s’y plie et, par défaut, y consent. C’est pourtant d’elle et de ses enfants que viendra le salut.
          Comme toujours dans son cinéma, aussi maximaliste que bien récompensé (il a reçu le Lion d’or, l’Ours d’argent et le Léopard d’or), Lav Diaz occupe l’espace dans un mouvement continuel et divers : des récits s’enchâssent, amples et lents, souvent cadrés par de longs plans hypnotiques. Se forme alors comme un espace-temps dilaté, comme toujours dans son cinéma aux œuvres prolongées. En 4 h 39, Halte n’est pas si long en regard des standards du cinéaste philippin, qui peuvent aller jusqu’à une dizaine d’heures ! Halte pourrait n’être que sinistre, nous laissant saisis d’effroi, figés comme par un rictus repoussant. Mais Lav Diaz joue d’un spectre bien plus large d’émotions, nous écartelant entre des sentiments complexes et contradictoires, au gré de ses digressions. Dans un club, un groupe de rock pulse une énergie vibratoire. Le dictateur, joué avec brio par Joël Lamangan jubilatoire, fou furieux, dangereux, qui fait bouffer de la chair humaine à ses crocodiles de compagnie, est en même temps, enfantin, peu sérieux et d’un comique grotesque. Il est le descendant direct du Dictateur de Chaplin et il nous amuse.
Le dictateur n’est qu’un enfant, qui entretient des conversations imaginaires avec sa mère avec laquelle il n’a pas coupé le cordon. Finalement, cet enfant attardé tombera sous la menace inattendue d’une armée d’enfants des rues qu’il croyait innocents et semblables à lui : les nouvelles générations seront-elles celles qui nous sauveront ? La métaphore avec la situation d’un pays constamment à la recherche de son identité, fracturé entre ses différentes communautés et livré régulièrement à des régimes autoritaires (la dictature de Marcos, la présidence Duterte aujourd’hui) est évidente dans le propos de ce cinéaste engagé qui semble déplorer ici, plus encore que la folie du régime, la responsabilité collective d’un peuple et d’une opposition amnésique et résignée.
Mais on aurait tort de réduire la portée de son message aux seules Philippines. Le propos désenchanté de Lav Diaz sur l’évolution du monde actuel, les périls environnementaux, et la dérive totalitaire des nouvelles technologies, dans lesquelles les mensonges deviennent des réalités, possède une dimension universelle. Porté par une mise en scène somptueuse et un noir et blanc qui prend ici plus que jamais tout son sens, Halte est à la fois une fable captivante par sa beauté et un cri d’alarme terrifiant. ‘’Parfois on souhaite que tout ça ne soit qu’un cauchemar’’, soupire l’un de ses protagonistes. Nous aussi !

 

 

 

 

Haut de page